Breves reseñas de marzo

Y (casi) se acabó marzo. Un mes al que no le veía fin y mira por donde, ya le damos carpetazo y nos plantamos en abril...
Y nada, como es costumbre, aquí os dejamos con las mini-reseñas del mes.

• Empecemos, como siempre, con las mías:

Hell Ride

EEUU, 2008; Duración: 80 min., Director: Larry Bishop, Guion: Larry Bishop, Música: Daniele Luppi, Reparto: Larry Bishop, Eric Balfour, Dennis Hopper, Michael Madsen, Vinnie Jones, Kanin Howell, Michael Beach, Cassandra Hepburn, Leonor Varela, Laura Cayouette, Julia Jones, David Carradine, Bonnie Aarons.

Género: acción, drama, thriller, venganza.

Sinopsis: Un grupo de moteros liderados por Pistolero comienza a ser perseguidos por los 666ers, un grupo de motoristas rivales, hasta que prácticamente consiguen erradicar la banda. El origen de esta caza podría ser una vieja rencilla por un tesoro escondido pero cuando asesinan a la novia de Pistolero, éste no descansará hasta vengarse.
Producida por Quentin Tarantino.

Aquí están, los 'Hijos de la anarquía' del chino de la esquina...

Lo mejor: nada, de verdad que no, nada (aunque ver a Dennis Hopper, Michael Madsen y Vinnie Jones siempre es genial, pero ni por ellos merece la pena, creedme). Lo mejor, sinceramente, hubiese sido no toparme con ella nunca…

Venga, va, diré algo. El cartel. El cartel es una pasada.

Lo peor: todo. Absolutamente todo. Es un insulto contra el buen gusto y el cine. ¿Cómo puedes cagarla de esta forma con un guion tan simple? ¿Cómo cojones no eres capaz de escribir algo TAN sencillo? Que es una típica historia de venganza de moteros, que no tiene más… pues el bueno de Larry Bishop consigue convertir una trama simple en algo inconexo y sin sentido. Y podría tener gracia si fuese algo rollo ‘cine de explotación’ de Serie Z, pero es que ni eso. La jodida peli se toma más en serio a si misma de lo que debería.

Técnicamente es un desastre, tiene unos cromas que se ven a Km y dan vergüenza, las escenas de violencia son pocas, le falta sangre y los tiroteos son tristes. Así que hasta en eso le gana la película más cutre de los 80.

Y luego tenemos la descripción de los personajes, que no existe, al igual que sus motivaciones. Las tías que salen son un atentado contra las mujeres del mundo, estereotipos sexualizados que solo quieren follarse a Larry como sea (y Larry es un señor viejo y feo. Pero él escribe el guion, así que…).

Cierto que ha intentado copiar la estética de Tarantino, pero ni de coña se acerca (ha usado unos filtros cutres y arreando). El muy iluso hasta ha intentado emular los grandes diálogos de sus pelis y le ha quedado unas frases tan patéticas y tristes (que intentan ser ingeniosas) que aún tengo pesadillas al recordarlo.

No tiene ritmo y no tiene historia, es una sucesión de escenas y flashbacks mal puestos, acompañado de señoritas ligeras de ropa. No tiene más.

Conclusiones: me imagino la escena, el bueno de Larry Bishop quiere hacer una película de moteros, pero no tiene dinero. Tiene claro que va a ser director, ya tiene preparado el guion y además será el prota. Y ha escrito una peli así muy del estilo de su amiguete Quentin (o eso se cree él) así que llama a su amigo. Tarantino mira el ‘guion’ y le dice que ni de coña, Larry le lloriquea, le dice que él tiene mucha pasta, que le hace mucha ilusión y blablablá y ablanda al pobre Quentin que dice que pagará (pero sin pasarse) pero que a cambio llame para la película a algunos de sus amigos que solo trabajan cuando él hace una peli. El otro acepta, perpetra esta mierda, pone que Tarantino es productor para vender más y ale. Y yo, que soy muy muy fan de Tarantino, ni había oído hablar de esta cinta y cuando la encontré de casualidad (cruel destino) no dudé en verla, ¡con lo que me molan a mí los moteros! Y mi gozo en un pozo, que 80 min. más eternos… ¡ni se os ocurra verla!

The Man Who Killed Hitler and then The Bigfoot

EEUU, 2018; Duración: 98 min., Director: Robert D. Krzykowski, Guion: Robert D. Krzykowski, Música: Joe Kraemer, Reparto: Sam Elliott, Aidan Turner, Caitlin Fitzgerald, Ron Livingston, Sean Bridgers, Ellar Coltrane, Larry Miller, Rizwan Manji, Mark Steger, Mark Lund, Nikolai Tsankov, Kristen Anne Ferraro, Mickey Gilmore, Rob Lévesque, Rocco Gioffre, Robert Marsella, Scott Sederquist, Terry Holland, Christina Calvao, Rosemary Howard.

Género: aventuras, drama, ciencia-ficción.

Sinopsis: Calvin Barr, un veterano estadounidense que desde la II Guerra Mundial ha vivido con el secreto de que fue el responsable de asesinar a Adolf Hitler, es reclutado por el Gobierno Norteamericano para intentar dar cazar a una criatura mitológica: Bigfoot, que vive en los bosques canadienses.

Lo mejor: Calvin Barr, el personaje al que da vida Sam Elliott, es carismático y es fácil ponerse en su pellejo. Además, tiene una evolución estupenda a lo largo de toda la cinta y el actor está genial dándole vida. Resulta muy tierno y su triste historia engancha desde el principio. La verdad es que yo siempre he sentido debilidad por las historias oscuras narradas por perdedores atormentados por su pasado (especialmente si son señores mayores).

Otra de sus bazas (aunque quizás para otras es su punto débil) es su mezcla de tonos, que es interesantísima. Oscila entre la ciencia-ficción, al romance (hay una historia muy bonita del pasado del prota), el drama, la aventura y hasta toques bélicos. Y para mi gusto funciona, una vez que te das cuenta que la cinta es más seria de lo que te imaginabas y es más bien un viaje por la vida de su protagonista, reflexiones incluidas.

Técnicamente está muy lograda, la ambientación oscura te atrapa y los efectos especiales son buenos.

Tiene puntos muy originales en su guion, como como cuenta la historia de Hitler o como representa al Bigfoot.

Mención especial también para Aidan Turner, que da vida al personaje de Calvin Barr cuando era joven.

A mi desde luego me atrapó y me cautivó, es diferente, extravagante a su manera, y con un encanto especial.

Lo peor: quizás lo peor sean las posibles expectativas que el titulo crea en el espectador. Yo misma me hice una idea equivocadísima de lo que iba a ver, olvidaros de extravagancias y locuras de Serie Z (ni nada de gore), la película es bastante más seria de lo que os podéis imaginar.

A parte de eso, tiene algún problemilla puntual de ritmo, pero poca cosa más.

Conclusiones: el director debuta con esta película y le sale una cinta bastante redonda y especial, que aunque no será del gusto de todos, si te llega te encantará (como me pasó a mí). Además, le brinda a Sam Elliott un personaje estupendo y este da una de sus mejores interpretaciones dándole vida.

Tiene un aire a fabula oscura que me gustó mucho y aunque sé que a mucha gente no le convencerá, os animo a darle una oportunidad.

Y por cierto, como dije por IG, ¡esta es mi película 3000 en Filmaffinity!

Dogman

Italia, 2018; Duración: 102 min., Director: Matteo Garrone, Guion: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso, Música: Michele Braga, Reparto: Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, Francesco Acquaroli, Alida Baldari Calabria, Aniello Arena, Gianluca Gobbi.

Género: thriller, drama.

Sinopsis: El dueño de una peluquería canina a las afueras de Roma se deja influenciar por un delincuente local hasta que su vida personal se complica y decide tomar las riendas de la situación.

Lo mejor: es de las que a mí me gustan. Es seca, áspera, dura, triste, deprimente y te produce malestar mientras la ves, enseguida te metes en la piel de su protagonista y empiezas a vivir todo lo que el padece. Te arrastra a la deprimente localidad donde vive (casi unas ruinas, es increíble que a las afueras de Roma, en un lugar con mar, eso esté así), te muestra su triste vida y como, aun así, es feliz. Tiene un trabajo que adora: cuidar y peinar perros, y como siente admiración por su hija pequeña. Es un hombre humilde con el que el espectador simpatiza y que enseguida te cae bien. Pero todo empieza a enrevesarse cuando se le junta el matón del pueblo. Y él, un hombre tímido y tranquilo, que simplemente quiere vivir en paz y al margen, se ve metido en líos por culpa del otro. Y aquí empezará su decadencia y su locura.

La película está magistralmente dirigida, con una atmosfera que casi se puede tocar y que genera malestar, una sensación de desazón que te acompaña toda la película.

La ambientación es brutal. El lugar da la sensación de que un día fue algo turístico, pero ahora está abandonado. Todo es triste, sucio y oscuro. Y sus habitantes son iguales, gente con pocos recursos que vive allí en la casi miseria.

Y qué decir de su protagonista, Marcello Fonte, simplemente espectacular en su interpretación.

Una cinta que engancha, que muestra al ser humano y las consecuencias de la violencia y la rabia y que te derriba mientras la ves.

Lo peor: nada, pero es tan dura y jodida, que acabas de verla y tu estado anímico está por los suelos. Te arrolla.

Conclusiones: una cinta impactante, de esas que no se olvidan, que narra la violencia de una forma fría y realista. Y que cuenta con un actor principal, Marcello Fonte, que está impresionante.

Muy recomendable, aunque no es para todo tipo de público.

Durante la tormenta

España, 2018; Duración: 128 min., Director: Oriol Paulo, Guion: Oriol Paulo, Lara Sendim, Música: Fernando Velázquez, Reparto: Adriana Ugarte, Chino Darín, Álvaro Morte, Javier Gutiérrez, Miquel Fernández, Nora Navas, Julio Bohigas-Couto, Mima Riera, Francesc Orella, Albert Pérez, Clara Segura, Silvia Alonso, Aina Clotet, Ana Wagener, Ruth Llopis, Belén Rueda.

Premios:

2018: Premios Gaudí: Nominada a mejor actriz sec. (Segura) y efectos visuales.

Género: thriller, ciencia-ficción, viajes en el tiempo.

Sinopsis: Una misteriosa interferencia entre dos tiempos provoca que Vera, una madre felizmente casada, salve la vida de un niño que vivió en su casa 25 años antes. Pero las consecuencias de su buena acción provocan una reacción en cadena que hace que despierte en una nueva realidad donde su hija nunca ha nacido...

Lo mejor: una historia que engancha rápidamente y que está muy bien tejida. Tiene un buen ritmo, el misterio está muy bien dosificado y planteado y es laberíntica, pero organizadísima al milímetro, intentado no dejar ni un cabo suelto y explicando bien las bases de su ‘juego temporal’. Y eso no siempre es fácil en las pelis sobre viajes en el tiempo. Te dejas llevar por ella mientras intentas averiguar tú también los misterios y ver si la prota consigue recuperar su línea temporal.

La ambientación es buena, y los viajes entre el pasado ochentero y el presente están muy bien y constantemente quieres saber más.

Las historias secundarias también atrapan (la del asesinato es muy interesante) y es divertido ir hilando las dos historias e ir viendo cómo cambian cuando la protagonista altera el pasado sin darse cuenta.

Los actores estupendos también, todos. Mención especial a Adriana Ugarte. Y siempre es un gustazo ver al gran Javier Gutiérrez (eso sí, el papelito de Belén Rueda pinta poco).

Y lo dicho, un buen guion, de ritmo ágil, que te atrapa desde el principio hasta el final.

Lo peor: quizás los más puristas y ‘toca pelotas’ con el tema de los viajes en el tiempo le pongan peros (tiene gracia, como si fuese algo científico y probado del que supiesen hablar con propiedad) y sí que es verdad que alguna cosa puede chirriar un poco, pero nada molesto.

Conclusiones: me encanta cuando el cine español hace estas cosas, salirse de las películas bélicas sobre sucesos que envolvieron a España (desde la Guerra Civil a lo ocurrido en Filipinas) o de las abundantísimas comedias chuscas, y se adentran en otro tipo de géneros, como el de la ciencia-ficción. Salga más bien o más mal el resultado, la valentía de hacerlo ya me vale. Y si como en este caso, además la peli sale redonda, pues el doble de mejor. Os recomiendo verla, de verdad. Muy, muy entretenida.

Carmen y Lola

España, 2018; Duración: 103 min., Director: Arantxa Echevarria, Guion: Arantxa Echevarria, Música: Nina Aranda, Reparto: Zaira Morales, Rosy Rodriguez, Moreno Borja, Carolina Yuste, Rafaela León.

Premios:

2018: 2 Premios Goya: Mejor dirección novel y actriz sec. (Yuste). 8 nom.

2018: Premios Feroz: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película drama.

2018: Premios Forqué: 2 nominaciones, incluyendo Mejor película.

Género: drama, romance, drama romántico, homosexualidad.

Sinopsis: Carmen es una adolescente gitana que vive en el extrarradio de Madrid. Como cualquier otra gitana, está destinada a vivir una vida que se repite generación tras generación: casarse y criar a tantos niños como sea posible. Pero un día conoce a Lola, una gitana poco común que sueña con ir a la universidad, dibuja graffitis de pájaros y es diferente. Carmen desarrolla rápidamente una complicidad con Lola, y ambas tratarán de llevar hacia delante su romance, a pesar de los inconvenientes y discriminaciones sociales a las que tienen que verse sometidas por su familia.

Lo mejor: sus dos actrices protagonistas, su naturalidad y la forma tan bonita de contar su historia de amor. Siempre sin resultar explicita ni obscena, simplemente narra la historia de un primer amor y el descubrimiento de la homosexualidad de una forma muy real y cercana. Es fácil encariñarse de las protagonistas y sentir lástima por lo que sabes que acabará pasando.

También ahonda, de forma muy costumbrista (y también naturalista), en la sociedad gitana mostrando su forma de vivir, la religión, el machismo y como muchas de ellas (por no decir casi todas) acaban haciendo lo establecido: dejar el colegio pronto, casarse jovencitas y tener todos los hijos que vengan. Y así en círculo vicioso, sin que apenas ninguna salga de ahí.

Pero sobre todo hay que destacar a sus dos actrices protagonistas, que nunca habían trabajado en el cine y es sorprendente verlas actuar, están geniales. Cautivan al espectador y lo atrapan en su historia. Aunque la verdad es que todos los secundarios (que tampoco son actores) están realmente bien. La única actriz profesional es Carolina Yuste (que está estupenda y gano un Goya por esta película).

Es una historia valiente (muchas asociaciones de gitanos han atacado a la película), muy bien contada y que atrapa desde el principio.

Lo peor: hay veces que se pasa con las metáforas, y con el final pasa eso. No termina de convencerme esa forma de acabarla.

Técnicamente resulta un poco plana, pero bueno, no es algo muy molesto. Pero sí que le da un toque más de documental rollo “Callejeros”, que de película.

Conclusiones: muy recomendable, una bonita y realista historia de amor entre dos adolescentes, que debido al ambiente en el que viven deben ocultar. Buen guion y buenas actrices noveles. ¡Veis como el cine español puede despuntar también!

• Y ahora, le toca el turno a las de Raquel:

Marea Negra
(Deepwater Horizon)

EEUU, 2016; Duración: 107 minutos; Director: Peter Berg; Guion: Matthew Sand, Matthew Carnahan; Música: Steve Jacblonsky; Reparto: Mark Wahlberg, Kurt Russell, Kate Hudson, John Malkovich, Dylan O'Brien, Gina Rodriguez, Ethan Suplee, Brad Leland, J.D. Evermore, Joe Chrest, Chris Ashworth, Jeremy Sande, Stella Allen, Michael D. Anglin, Ilan Srulovicz, Graham McGinnis, James DuMont, Douglas M. Griffin, David Maldonado.

Género: acción, drama.

Sinopsis: Basado en los eventos sucedidos en el Golfo de México en abril del 2010, cuando un accidente en una plataforma de la BP que perforaba para extraer petróleo causó una catástrofe que mató a 11 personas e hirió a otras 16, provocando además una de las catástrofes medioambientales más graves causadas por el hombre.

Lo mejor: es muy entretenida, desde el principio, y va de lleno a lo que interesa, con una presentación bastante escueta de los personajes y de su lugar de trabajo, dejando claro que se trata de una familia.

Tiene escenas muy bien planteadas, y la recreación de los desastres que se van sucediendo son muy realistas, tanto que a veces te hacen aguantar la respiración y sentir lo que ellos sienten. La pareja Wahlberg- Russell se compenetra a la perfección, y cumplen con su papel de manera muy correcta.

Me recuerda mucho a las películas de Tony Scott en su planteamiento, y eso me agrada. El tema que trata es muy importante, aunque parezca una tontería, y deja claro algo que, cada vez, es más obvio: los humanos nos estamos cargando el planeta, y a propósito, cosa que es aun peor.

Lo peor: bueno, como siempre ocurre en estos casos, es muy patriótica, siempre van de ‘somos héroes, somos americanos, somos los mejores’, pero bueno, eso ya sabemos que no va a cambiar. Por lo demás, nada reseñable.

Conclusión: una sorpresa, en toda regla, y me encanta que me ocurra esto con películas de las que no espero nada. Un buen vehículo de entretenimiento, que no tiene más pretensión que la de entretener al espectador, y desde luego que lo consigue. No hay que buscarle nada más.

Paterno

EEUU, 2018; Duración: 105 minutos; Director: Barry Levinson; Guion: Debora Cahn, David McKenna, John C. Richards; Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine; Reparto: Al Pacino, Annie Parisse, Riley Keough, Kathy Baker, Greg Grunberg, Faith Logan, Adam Ratcliffe, Jock McKissic, Tess Frazer, Darren Goldstein, Benjamin Cook, Midori Francis, Kristen Bush, Steve Coulter, Tess Soltau, Celia Au, Tatum Price, Karen Morris, Nicholas Sadler, Jim Johnson, Delanie Wheeler, Tom Kemp.

Género: drama.

Sinopsis: Se centra en Joe Paterno que, tras convertirse en el entrenador con más títulos de la historia del fútbol americano universitario, se ve envuelto en el caso de acoso sexual de Jerry Sandusky.

Lo mejor: está clarísimo: Al Pacino. Soy muy pero que muy fan de este señor, y me veo todo lo que cae en mis manos (es mi actor favorito, es lo que hay). Es un actor que tiene la capacidad de levantar una película por si solito, y con ‘Paterno’ lo consigue, porque de otra manera creo que la película no habría sido gran cosa. La historia que trata es bastante escabrosa, y admito que me ha puesto los pelos de punta, porque a la hora de exponer los hechos de las víctimas, lo hace sin pelos ni señales: declaraciones al 100%, no sé si serán reales, pero si que se que son perturbadoras. Y también muestra como la gente es capaz de comportarse por sus ídolos, hasta donde pueden llegar, aun con evidencias de que no son buenas personas.

Lo peor: como siempre ocurre en los biopics, dejan de lado lo malo del personaje, le ponen como la víctima, aun sabiendo que el era tan culpable como los demás. Es algo que no soporto demasiado de estas cintas: si estas contando la historia de una persona, cuéntala como tal, y no te dejas lo más escabroso en el tintero.

El guion no es muy bueno, y va dando tumbos desde casi el comienzo de la cinta, no llegando a plantear una historia clara de los hechos.

Conclusión: es entretenida, sin más, sobre todo si eres fan del fútbol americano y todo lo que le rodea. Tiene muchos fallos, y eso se nota en el resultado final, pero una cosa os voy a decir: solo por ver al grande de Al Pacino merece la pena verla.

El sacrificio de un ciervo sagrado
(The Killing of a Sacred Deer)

Reino Unido, 2017; Duración: 121 minutos; Director: Yorgos Lanthimos; Guion: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou; Música: ---; Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp.

Género: thriller, drama.

Sinopsis: Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

Lo mejor: la historia es, cuanto menos, interesante, y dentro de que no se muestra nada explicito como tal, el mensaje que muestra es un tanto desconcertante. Te hace participe de la decisión en todo momento, intentado llegar a una conclusión lógica junto con los personajes, y preguntándote que harías tu en su lugar. La escena de la ruleta rusa es bastante impactante, sobre todo por como está llevada a cabo. Una tragedia contada de una manera bastante original, y eso es de agradecer.

Lo peor: en ocasiones me ha resultado muy pesada, sobre todo porque hay escenas en las que no ocurre nada, simplemente la cámara fija, enfocando a los actores o a las situaciones que estamos viendo, y este estilo de cine no me llama la atención, me parece demasiado pretencioso. Los personajes no me han gustado mucho, y creo que los actores no estaban en su salsa, al menos a mi no me lo pareció (Colin Farrell me gusta, y mucho, pero aquí le vi desubicado totalmente). Es demasiado lenta en varios tramos, lo que hace que sea complicado cogerle el punto a la película.

Conclusión: quería tomar contacto con el cine de Lanthimos antes de ver ‘La Favorita’ (más que nada porque mi compañera me dijo que era un tanto complicada la película), y me decanté por esta (luego vi ‘Langosta’ también, que ya reseñaré), y admito que, a pesar de ser tan extraño, y tener un cine lleno de metáforas, no deja de ser interesante. Y esta película, en cierta medida, lo es.

El regreso de Mary Poppins
(Mary Poppins Returns)

EEUU, 2018; Duración: 130 minutos; Director: Rob Marshall; Guion: David Magee; Música: Marc Shaiman; Reparto: Emily Blunt, Lin-Manuel Miranda, Ben Whishaw, Emily Mortimer, Nathanael Saleh, Pixie Davies, Joel Dawson, Julie Walters, Colin Firth, Meryl Streep, David Warner, Dick Van Dyke, Angela Lansbury, Jeremy Swift, Kobna Holdbrook-Smith, Christian Dixon, Craig Stein, Bernardo Santos, Bern Collaco, Ian Conningham.

Género: musical, fantástico.

Sinopsis: Mary Poppins (Emily Blunt) es la niñera casi perfecta, con unas extraordinarias habilidades mágicas para convertir una tarea rutinaria en una aventura inolvidable y fantástica. Esta nueva secuela, vuelve para ayudar a la siguiente generación de la familia Banks a encontrar la alegría y la magia que faltan en sus vidas después de una trágica pérdida personal. La niñera viene acompañada de su amigo Jack (Lin-Manuel Miranda), un optimista farolero que ayuda a llevar la luz -y la vida- a las calles de Londres.

Lo mejor: pues la verdad es que, en su conjunto, es una película muy redonda. Una historia muy bien construida, continuando donde se quedó en el pasado, eso sí, años después, con aquellos niños siendo adultos, con sus obligaciones, pero no dejando de ser niños nunca. Visualmente es una maravilla, llena de magia y fantasía, y te invita a meterte de lleno en la trama sin dudarlo ni un momento. Las canciones son preciosas, he de reconocerlo.

Emily Blunt ES la película, sin ninguna duda, y creo que es la elección más acertada que podrían haber tomado a la hora de volver a plasmar a Mary Poppins en pantalla. Se hace con el personaje desde el principio, y hace que la adores desde el minuto uno (es un amor de mujer, y la adoro, ya está). Hay que mencionar también a Lin-Manuel Miranda, su personaje es un amor.

Lo peor: a ver, yo no soy super fan de la película original, y tampoco me he pasado el tiempo comparándolas, aunque entiendo que esto sea inevitable. La sorpresa y originalidad de la primera no están, pero poco más que decir de ella.

Conclusión: creo que es una buena secuela, que respeta a la original en todo, hilada muy bien, además, y que se ve el cariño con el que se ha hecho (y el cariño que le tienen a la primera). Volver a soñar con Mary Poppins siempre fue un sueño para sus fans y creo que no les ha salido nada mal la jugada.

La casa de Jack
(The House That Jack Built)

Dinamarca, 2018; Duración: 150 minutos; Director: Lars Von Trier; Guion: Lars Von Trier; Música: ---; Reparto: Matt Dillon, Bruno Ganz, Uma Thurman, Riley Keough, Sofie Gråbøl, Siobhan Fallon, Ed Speleers, Osy Ikhile, David Bailie, Yoo Ji-tae, Marijana Jankovic, Robert G. Slade.

Género: thriller, drama.

Sinopsis: Estados Unidos, década de 1970. Seguimos a Jack durante un período de 12 años, descubriendo los asesinatos que marcarán su evolución como asesino en serie. La historia se vive desde el punto de vista de Jack, quien considera que cada uno de sus asesinatos es una obra de arte en sí misma.

Lo mejor: me encantan las películas de asesinos en serie y psicópatas, y esta me llamo la atención desde el principio. Me gusta la manera en la que lo cuenta, a modo de flashbacks, y contándole la historia a alguien que desconocemos, y sobre todo la manera en la que se recrea en los asesinatos. Matt Dillon es, sin duda, la mayor baza que tiene la película, su personaje es frio, calculador, apático, sin sentimientos, y el actor lo recrea a la perfección: no sabes si quererle u odiarle. Y bueno, mención especial también a Bruzo Ganz, que siempre será un grande. Genial también como han metido todo lo que tiene que ver con Dante y su Infierno.

Lo peor: es larga, muy larga, demasiado, y en ocasiones se hace pasada, sobre todo porque la manera tan pausada que tiene a la hora de contar las cosas puede sacar de quicio a cualquiera. Me hubiese gustado más que la historia se centrase en el asesino, en los aspectos psicológicos, vamos, en cómo funciona su cabeza, en vez de recrearse tanto en lo bueno que es el director; el egocentrismo elevado a la décima potencia. En algunas ocasiones se tira mucho tiempo hablando, y explicando lo que va a hacer o como lo va a hacer, y luego realmente no sucede nada: menos hablar y más matar.

Conclusión: este señor es raro, pero raro de narices, y su cine es particular, o lo amas o lo odias, así de claro, y lo poco que he visto de él no me ha gustado nada (‘Anticristo’ me pareció una mierda, con todas las letras), pero admito que, dejando de lado todo lo negativo que he dicho sobre ella, es interesante. La recomiendo teniendo un poco en cuenta que estamos hablando de una cinta de Lars Von Trier.